• Esta muestra, que podrá visitarse del 15 noviembre de 2025 al 19 abril de 2026, reúne las propuestas de los artistas que fueron seleccionados en la convocatoria de las becas de arte de la Fundación Botín en 2023: Javier Bravo de Rueda, Noa y Lara Castro Lema, Diego Delas, Gelen Jeleton, Nader Koochaki y Eduardo Navarro.
• Los proyectos presentados reivindican el arte como una herramienta para la transmisión de saberes, gestos y creencias ancestrales, rescatando historias invisibles a la vez que oficios y mitologías que habitan en los márgenes de la ciencia y el arte.
• También se conmemoran 30 años de la exposición Itinerarios. Así, el sábado 15, además de abrir sus puertas al público la muestra, están previstas una serie de mesas redondas en las que participarán miembros de los jurados y artistas que han sido parte de la larga trayectoria de Itinerarios, reuniendo ese día en Santander a muchos de los que han sido becados o han participado en esta exposición a lo largo de estos treinta años de trayectoria.

El próximo 15 de noviembre el Centro Botín presentará Itinerarios XXX, la exposición anual que recoge y presenta las obras de los artistas internacionales distinguidos cada año con una Beca de Arte de la Fundación Botín, unas ayudas que se convocan desde 1993 para apoyar a los artistas en sus proyectos de formación, investigación y producción, y que -además- en esta edición conmemora sus treinta años de andadura. “Se trata de una edición muy especial, pues marca tres décadas de un apoyo incondicional basado en la confianza mutua entre la Fundación Botín y los artistas. Una continuidad que permite acompañar los distintos momentos vitales y creativos de los artistas, sosteniendo la madurez del arte con la misma disposición con la que se impulsa su nacimiento”, destaca Bárbara Rodríguez Muñoz, directora de exposiciones y de la colección del Centro Botín.

Así, el mismo sábado 15 y para conmemorar estos 30 años de Itinerarios, se llevarán a cabo una serie de mesas redondas, espacios de diálogo intergeneracional, sobre la investigación y la producción artística desarrollada en estos años de andadura. Para ello, se contará con la participación de jurados y becarios como ponentes, además de una amplia presencia de artistas y miembros de los jurados a lo largo de este tiempo, que se desplazarán a Santander para compartir experiencias y celebrar juntos esta historia compartida.

Unas becas caracterizadas por su apertura y flexibilidad

Las becas de arte de la Fundación Botín se caracterizan por su apertura y flexibilidad, al no establecer en sus bases límites de edad, nacionalidad o temáticas concretas, generando así un amplio espacio de intercambio, experimentación y reflexión entre lenguajes, contextos y generaciones. La exposición anual Itinerarios marca la culminación de este proceso, donde las ideas incubadas durante el periodo de la beca se materializan en obras que revelan la diversidad y vitalidad de la práctica artística contemporánea. Como puntualiza Filipa Ramos, una de las autoras del ensayo de la publicación que acompaña a esta exposición, “las becas de arte suponen un espacio donde artistas de distintas edades, trayectorias y orígenes pueden detenerse, revisar su práctica y reinventarse”.

Los seis proyectos presentados en Itinerarios XXX exploran la relación entre naturaleza, memoria y formas de conocimiento no racional. Desde perspectivas diversas, los proyectos se adentran en un vínculo afectivo y simbólico con paisajes −marinos, desérticos o florales−, proponiendo modos de atención y contemplación que -a menudo- cuestionan las jerarquías entre lo humano y lo no humano. A través de esta exposición, los artistas reivindican el arte como una herramienta para la transmisión de saberes, gestos y creencias ancestrales, rescatando historias invisibles a la vez que oficios y mitologías que habitan los márgenes de la ciencia y el arte. Javier Bravo de Rueda entrelaza arqueología, ciencia ficción y cosmovisiones ancestrales en un pequeño museo de Perú; el vídeo de Noa & Lara Castro Lema transforma la memoria familiar pesquera en un cuento musical sobre mar, trabajo y herencia; las estructuras suspendidas de Diego Delas evocan amuletos protectores que susurran voces desaparecidas desde un mundo premoderno; Gelen Jeleton propone, a través del gesto contemplativo de “ver la flor”, una pausa ante el tiempo productivo; la línea de tiempo de Nader Koochaki reconstruye una historia donde el gesto humano transforma el paisaje industrial, mientras Eduardo Navarro propone una empatía radical con el mundo no humano, donde arte, afecto y océano se confunden en un mismo pulso.

Merece la pena destacar el trabajo del jurado, que ha conformado una selección que refleja la amplitud de lenguajes artísticos que define el espíritu de estas ayudas y que, en esta ocasión, ha estado formado por las comisarias Irene Aristizábal y Filipa Ramos, junto con los artistas Juan López y Jorge Satorre, ambos antiguos becarios de arte de la Fundación Botín.

Itinerarios XXX – Artistas

JAVIER BRAVO DE RUEDA (Callao, Perú, 1989)

El proyecto de Bravo parte de la investigación del artista sobre el origen y el imaginario de las piedras de Ica, que utiliza para comprender las complejas formas en que la cultura material, la ficción y las narrativas históricas se complementan entre sí. Estas piedras ovaladas grabadas, que se encontraron en la década de los 60 en ciertas zonas del desierto de Ocucaje (departamento de Ica, Perú) y a las que se les atribuyen millones de años de antigüedad, relatan historias de la supuesta existencia de una civilización ancestral y alienígena que vivía en la tierra. A partir del análisis científico y de la propia confesión de Basilio Uschuya, granjero local que admitió haberlas creado, fueron clasificadas como bulo pseudocientífico, pero las piedras siguen estando vivas y despertando interés, aludiendo a la frontera entre mito, ciencia y especulación.

El proyecto recorre desiertos, fósiles y arquitecturas efímeras para habitar la incertidumbre y el misterio, en un intento por comprender la historia no oficial del lugar, situándose entre la evidencia material y la proyección ficticia. La instalación, Vieron algo en el cielo: Ufolatrías y desierto, 2025, se compone de múltiples y variadas piezas: registros, artefactos, dibujos animados, murales, esculturas y sonido. La sala expositiva nos traslada al Museo Científico Dr. Cabrera (Ica, Perú) dedicado a las piedras, al que viajó el artista; Un lugar lleno de sospechas y asombro, donde la historia oficial y ciertas narrativas alternativas se confrontan. No ofrece respuestas, sino que invita a especular, a perderse entre la crónica del viaje, la ciencia ficción y los relatos ancestrales que hablan de orígenes inciertos y presencias venidas del cielo.

NOA Y LARA CASTRO LEMA (A Coruña, Galicia, 1998)

El trabajo que desarrollan las gemelas Noa y Lara Castro nace de los recuerdos y las historias de sus propios familiares, investigando así las historias naturales y culturales que conforman el pasado y el presente de la región de la Costa da Morte (A Coruña), de donde proceden.

En este proyecto, a través de historias recogidas e inventadas con sus abuelos y abuelas, provenientes de este lugar, las artistas han generado un cuento musical que toma como punto de partida el Gran Sol, un caladero del Atlántico Norte donde su abuelo Nelson pasó la mayor parte de su vida trabajando como pescador. Este tipo de caladeros eran llamados originariamente en francés “Grande Sole”, que significa ‘gran lenguado’. La traducción fonética del francés al gallego relaciona a través del lenguaje dos cosas a priori tan distantes como los lenguados (sole) y los astros (sol), generando para las artistas un juego performativo protagonizado por personajes híbridos en un círculo donde pasado y futuro se unen en el presente. El resultado se desarrolla a través de diferentes performances y eventos públicos, cada uno de los cuales entrelaza relatos fácticos, narraciones, mitología, composición de canciones, performance, diseño de vestuario y vídeo, al tiempo que reúnen a familiares, amigos, vecinos y a las dos artistas.  A través de su trabajo, las hermanas Castro desentierran y crean gestos, huellas y vínculos que unen cuerpos, lugares, historias y relatos.

Cen pequenos soles, 2025, es una película que muestra que la intimidad no es un asunto privado, sino una zona porosa de comunalidad, una construcción colectiva en permanente re-creación: entre hermanos, especies, vecinos, lugares, tecnologías y mundo natural. Parte de la vida y la memoria, y revela cómo lo humano y lo no humano están conectados a través de la violencia, los cuidados, el trabajo y la muerte.

DIEGO DELAS (Aranda de Duero, España, 1983)

El trabajo de Diego explora las intersecciones y similitudes entre la práctica artística y el llamado arte popular, siguiendo una obsesión personal por las narrativas y cosmovisiones presentes en las artes y los oficios.

Habla, memoria, 2025, forma parte del proyecto Telesma, que investiga los vínculos entre el arte contemporáneo y las prácticas devocionales populares, como la creación de objetos votivos, talismanes y amuletos. Se presenta como una intervención espacial conformada por grandes telas suspendidas en el aire, que evocan estos amuletos de forma monumental. El espacio expositivo se transforma así en un entorno envolvente, donde los materiales y las formas sugieren un gran talismán colectivo. En las obras se mezclan dos tradiciones: la orfebrería popular, representada por láminas de latón similares a los engarces de joyas tradicionales, y la pintura gestual, con trazos inspirados en marcas y signos propios de oficios artesanales.

En el centro de la muestra destaca un textil que sostiene siete amuletos gigantes, unidos en cadena; cada uno combina materiales, palabras y fragmentos culturales, funcionando como un nudo simbólico de deseos y memorias, una cadena de sortilegios escritos con hilo, tela y pintura. La pieza tensiona la frontera entre el objeto votivo, que mira al pasado como agradecimiento, y el amuleto, que se orienta al futuro como promesa o protección. Con todo ello, la obra se presenta como una reflexión sobre el poder de las imágenes y los objetos, y su capacidad para fundirse con lo espiritual y lo material, para proteger y a la vez embellecer, invitándonos a recorrer el espacio y a reconocernos en el cruce entre arte, devoción y deseo.

GELEN JELETON (Murcia, España, 1975)

Jeleton desarrolla el proyecto Historia política de las flores: Hanami (ver la flor), 2025, con el objetivo de llevar a cabo una investigación poética sobre las culturas rituales de la naturaleza. Para ello, indaga en la temporalidad de la contemplación floral japonesa, centrándose en el ritual del hanami, la costumbre japonesa de reunirse para contemplar la floración de los cerezos, que trata de abordar y comprender mediante la experiencia personal y la investigación histórica, – durante el desarrollo de la beca, la artista viajó a Japón para vivir la experiencia del hanami en parques y templos, así como para examinar sus representaciones en museos, tejidos y objetos cotidianos–, interpretada y traspuesta a través de una práctica basada en el dibujo, la instalación y la animación. El resultado es una meditación sostenida sobre la impermanencia, la repetición ritual y la política de la mirada.

En la instalación que se presenta en el Centro Botín −compuesta por dibujos sobre papel de seda y una serie de animaciones−, capas de papel de seda estampado caen de las paredes, se esparcen por el suelo y cuelgan del espacio, representando la flor de sakura (del cerezo japonés) durante el hanami, el yozakura (cerezos de noche) y el hanafubuki (lluvia de pétalos) y su recuerdo. Los dibujos se elaboraron en el taller de la artista como un acto meditativo y de repetición, utilizando pétalos como sello y fotogramas de dibujo en movimiento.

La instalación se enmarca en el proyecto de largo recorrido de la artista Historia política de las flores (2014-2025): una investigación sobre el simbolismo de las flores basada en lo contemplativo, que propone detenerse, parar para poder “ver la flor”. Es el acto de ver, su placer y su magia, lo que investiga la artista al sumergirse en una cultura que ofrece referencias extrañas y fascinantes, y que da como resultado una exploración especulativa de los afectos y efectos que surgen de una fugaz explosión de formas, colores y sombras.

NADER KOOCHAKI (San Sebastián, España, 1983)

Nader Koochaki ha desarrollado tres líneas de investigación en el territorio leonés durante los últimos doce años, todas relacionadas con las huellas físicas y simbólicas de la minería. En su tercer proyecto, realizado durante la beca de la Fundación Botín, centra su atención en la figura de Salvador Robles Aibar (1957–2009), un operario de buldócer que instaló singulares conjuntos de rocas en zonas restauradas de la Corta Pastora. El proyecto indaga en la intención de estas intervenciones y en su posible lectura desde el arte o el paisaje industrial, planteando preguntas sobre los límites entre creación artística, el gesto cotidiano y la memoria material. La aproximación que realiza combina la investigación de campo (viajes, entrevistas y observación directa) con la colaboración científica, especialmente a través de estudios geológicos y biológicos.

Koochaki reconstruye para el proyecto fragmentos de la vida de Robles a través de entrevistas con familiares y antiguos compañeros, enfrentándose a silencios y archivos inaccesibles, tanto institucionales como familiares. Estos vacíos revelan cómo la historia minera está atravesada por la pérdida, el trauma y el control institucional de la memoria. Estas ausencias se convierten en parte del propio relato, evocando la imposibilidad de cerrar o completar la biografía de Robles. El proyecto aborda la minería no solo como actividad económica, sino también como una herida abierta en el territorio y en la memoria colectiva, en el que las minas funcionan como metáfora de la relación suicida entre humanidad y medio ambiente.

Salvador Robles, 2025, es una investigación fragmentaria compuesta por fotografías, grabaciones, notas y documentos familiares, en la que la biografía de Robles se convierte en un espejo de las heridas históricas y ecológicas de la minería, que reconoce tanto la huella humana en el paisaje como las ausencias que persisten.

EDUARDO NAVARRO (Buenos Aires, Argentina, 1979)

Navarro trabaja con diferentes medios, que van desde esculturas a gran escala hasta piezas murales, dibujos, performances, acciones colectivas en vivo o instalaciones participativas. A través de su obra, el artista ha explorado cuestiones recurrentes relacionadas con el funcionamiento de la mente y su conexión con la naturaleza y el cosmos. Interesado en las formas en que la percepción media la realidad a través de los sentidos, a menudo ha creado entornos y experiencias sensoriales que activan los sentidos físicos e inducen nuevas formas encarnadas de relacionarse con el arte y conectarse con el mundo.

Adoptando la performance como un procedimiento terapéutico para seres más que humanos, el artista ha desarrollado un proyecto que, tras comenzar de manera informal, gracias a la beca de la Fundación Botín se ha estructurado en una iniciativa para el apoyo del bienestar de los animales marinos. F.O.C.A. (Fundación Oceánica de Contemplación Amorosa), 2025, es el proyecto que Navarro ha desarrollado a lo largo de los últimos dos años en Uruguay, que se ha materializado en la creación de una fundación oficial que tiene como principio invitar a artistas a crear obras de arte desde la percepción interna de lo que significa transformarse en una entidad oceánica.

Merece la pena destacar que, durante la pandemia, Navarro se unió a SOS Rescate Fauna Marina (Punta Colorada, Uruguay) y comenzó a trabajar como voluntario en la rehabilitación de crías de león marino huérfanas para facilitar su retorno a la naturaleza. Interesado en profundizar en los modos perceptivos y expresivos de otros seres y en cómo el arte puede impactar positivamente en el mundo, exploró la posibilidad de metamorfosearse en león marino, vistiendo un traje de foca como vehículo para acercarse a los animales. Así, actuando como una madre-paterna, el artista se dedicó a dar el biberón a crías rescatadas por el refugio.

Así, en esta exposición se muestra el traje de foca, una película que documenta el encuentro con los lobos de mar y de una serie de dibujos que exploran la motricidad física de estos animales, captando un campo de expresión que remite a símbolos inconscientes. El proyecto se manifiesta como una invitación a otra forma de vida, a la experimentación con otros modos de relacionarse con uno mismo y con los demás, a desear cosas distintas de manera diferente o, simplemente, a ser consciente de cómo un cuerpo puede relacionarse con otros.

Becas de Arte de la Fundación Botín

El ciclo expositivo Itinerarios es el resultado del trabajo desarrollado por los artistas durante el periodo de disfrute de las Becas de Arte de la Fundación Botín, unas investigaciones que año tras año quedan plasmadas en un catálogo a modo de expositor de los distintos proyectos. En esta edición, el ensayo del catálogo ha sido escrito por Filipa Ramos, comisaria e investigadora que, además, también ha formado parte del jurado.

Este programa de Becas impulsa la formación, la investigación y el desarrollo de proyectos de creadores internacionales. Desde sus inicios en 1993, ha servido para descubrir y apoyar la carrera de más de 200 artistas, algunos de los cuales gozan ya de gran reconocimiento.