Exposición

Damián Ortega: Visión Expandida

8 OCTUBRE, 2022 AL 26 DE FEBRERO, 2023

La exposición Damián Ortega: Visión expandida agrupa por primera vez nueve obras escultóricas en suspensión del artista mexicano y activa en el visitante una nueva y trascendente forma de mirar al mundo que nos rodea.

El ingenio y el humor son utilizados para deconstruir objetos y procesos conocidos, alterando sus funciones y transformándolos en experiencias novedosas y situaciones hipotéticas, problematizando de esta forma nociones más amplias como los discursos económicos, sociales y políticos que articulan la materia y las relaciones en las que ésta se ve inserta.

Aunque sus proyectos —concebidos a partir de dibujos— se materializan en esculturas, instalaciones, performances, vídeos y fotografías, para el artista la obra de arte es siempre una acción: un evento. Sus experimentos existen en un espacio donde convergen lo posible y lo cotidiano para activar una nueva y trascendente forma de mirar a los objetos ordinarios y las interacciones rutinarias. Ortega utiliza la ironía para abordar distintos temas, incluso los más complejos, y el lenguaje y la poesía juegan un papel fundamental en su obra. Las relaciones humanas con las máquinas y la tecnología son recurrentes en su trabajo, como también lo son las referencias a la naturaleza y las conformaciones geológicas.

Según Vicente Todolí, comisario de esta exposición, “Visión Expandida es la primera muestra que se centra en las obras en suspensión de Ortega. Cada pieza contiene en ella, latente, la creación y destrucción del mundo que nos rodea”. La suspensión de las obras en el espacio expositivo sigue la idea que se originó hace algún tiempo entre los artistas de vanguardia de eliminar cualquier soporte tradicional y presentar las esculturas separadas del suelo, flotando libremente, sugiriendo un deseo de comprometerse de manera diferente con el espectador y con el espacio, con la fuerza de la gravedad y, también, de rechazar cualquier estado fijo.

RECORRIDO POR LA EXPOSICIÓN

El mítico Cosmic Thing (2002) es la primera obra que encontramos al entrar en la sala, un Volkswagen Beetle deconstruido que pende con sus órganos expuestos. Su significado queda abierto a múltiples interpretaciones; según Peio Aguirre, crítico de arte y autor de un ensayo en el catálogo que acompaña a la muestra, podría decirse que esta obra explora la modernización capitalista y sus distintos ritmos en el mundo, y más concretamente en México, donde el “escarabajo” supuso un momento decisivo en la democratización del consumo y en el saber hacer popular.

Le sigue Harvest (2013), formada por esculturas de acero colgadas e iluminadas cenitalmente. La obra cuestiona nuestra percepción y la lectura de la realidad, mientras hace eco de las numerosas referencias y citas tomadas de la literatura que a menudo podemos encontrar en las obras del artista.

Viaje al centro de la tierra: penetrable (2014) se compone de una estructura metálica de la que hay materiales suspendidos: cuero tubular, piedra pómez, cerámica orneada o vidrio. La obra desafía la idea de la escultura como objeto, monumento o pieza, fragmentándola en miles de trozos, quitándole así su solidez y pedestal para, a través del humor, evadir la posición heroica de lo monumental.

A continuación, encontramos Polvo estelar (2016), una composición construida con materiales naturales y sintéticos que crea una especie de ecosistema que se extiende desde un epicentro. Ortega definió las características de lo que quería crear para, después, salir a buscarlo a la calle. Según él mismo explica, “se trataba de encontrar algo que fuera un polvo de cosas que ya no eran nada…”, como un agujero negro que se ha tragado todos los objetos.

Controller of the Universe (2007) es una pieza en la que cientos de herramientas de segunda mano aparecen suspendidas de mayor a menor tamaño componiendo un vórtice ordenado, accesible a través de cuatro pasajes a su centro, que es el vacío, el epicentro de la exposición. El ojo del espectador está en el centro y las herramientas se convierten en extensiones, pero también en fronteras o filtros. El título de la obra hace referencia al mural de Diego Rivera, Man at the Crossroads (1933), que presentaba a un trabajador en una fábrica controlando una gran máquina como centro del desarrollo tecnológico, artístico y científico.

Continuando con la disección de lo geológico, Volcán (2013) consiste en una cuña de doble espejo hecha una colección de pequeñas piedras rojizas de tezontle, una roca volcánica utilizada en México en la construcción, y compuesta en la parte superior de diminutos vidrios de colores. Ortega coloca este volcán en medio de la sala de exposiciones para que el espectador reconozca la opresión y liberación de energía de la lava. Estamos frente a un esquema o diagrama expandido en tres dimensiones de una explosión volcánica.

En H.L.D (high, long, deep) (2009) encontramos una silla de madera diseccionada y suspendida en el aire a lo largo de tres ejes. En una sola imagen, dibuja un largo proceso deductivo y conceptual donde se integran las tres dimensiones para formar un objeto. Una estructura ligera que unifica y replantea la forma en que vemos lo común.

La relación ambigua con la naturaleza aparece de nuevo en la siguiente obra del recorrido, Warp Cloud (2018), representando la estructura química de una gota de agua a través de esferas blancas de diferentes tamaños que simbolizan moléculas de hidrógeno u oxígeno. La pieza también hace referencia a la tradición textil oaxaqueña, donde según la mitología vernácula la intersección de hilos verticales y horizontales significa el encuentro del cielo y de la tierra. En ella podemos apreciar como el artista defiende la idea de hacer arte centrado en rasgos y necesidades locales, comunitarias. El artista cree que somos personajes híbridos, complejos e integrales. Wrap Cloud y muchas otras de las piezas expuestas tienen que ver con la presencia del individuo en el todo, en un espacio colectivo.

Hollow/Stuffed: Market Law (2012), situada sobre la bahía, cierra la exposición. En ella, el artista reflexiona sobre temas como la explotación económica, el abuso de poder, la historia colonial o la identidad de nacional. Un submarino construido a partir de sacos reutilizados, metal y sal cuelga del techo de la sala. La bolsa de plástico tiene una herida que sangra, un pequeño agujero por el que se derrama la sal y que se acumula en el suelo formando una montaña. Ortega relaciona esta obra con la idea de generar un bien de consumo que extraer y comercializar de un lugar a otro sin importar el impacto que cause en su lugar de origen, como ocurre con la cocaína. La pieza hace referencia a los submarinos que transportan esta sustancia con la que comercian los narcotraficantes en México.

Además, la exposición va acompañada de un espacio de lectura concebido por el artista para albergar las publicaciones de su proyecto editorial Alias, una plataforma para la circulación de escritos propios de artistas junto a otros de divulgación en habla hispana.

El catálogo de la muestra, coeditado con La Fábrica, contiene un ensayo de teoría crítica de Peio Aguirre, textos poéticos de Rafael Toriz y una entrevista de Roberta Tenconi a Damián Ortega.

SOBRE DAMIÁN ORTEGA

Damián Ortega (1967, Ciudad de México) comenzó su carrera como caricaturista político. Se unió al «Taller de los viernes» con Gabriel Orozco de 1987 a 1992. En 2005 fue nominado para el Hugo Boss Prize y en 2007 fue nominado al Preis der Nationalgalerie für junge Kunst. En 2014 recibió la Smithsonian Artist Research Fellowship por parte de Smithsonian Institution y en 2006 realizó una residencia artística en Deutscher Akademischer Austausch Dienst (DAAD) en Berlín. Vive y trabaja en Ciudad de México.

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Dónde

Planta 2

Precios

Entrada general: 8 € Comprar

Grupos: 6 € Comprar

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